REDESCOBRINDO O MEDITERRÂNEO

TEXTO: ÁREA DE CULTURA DE FUNDACIÓN MAPFRE

A exposição Redescubriendo el Mediterráneo, que poderá ser visitada na sala Fundación MAPFRE Recoletos em Madrid, de 10 de outubro de 2018 a 13 de janeiro de 2019, pretende percorrer entre as pinturas e esculturas de vários artistas que, entre o final do século XIX e o começo do século XX, encontraram um momento feliz no modo de fazer arte e representá-la, um estado de bem-estar que queriam projetar na arte posterior. O Mediterrâneo como uma reconciliação com o passado, mas também como um lugar de liberdade artística, tornar-se-á assim, nas suas diferentes declinações, uma das grandes referências para a criação e evolução de uma arte moderna.

 

França: os ateliês do Midi

Na virada do século XIX para o século XX houve uma redescoberta do mar em toda a Europa e, especificamente, do Mediterrâneo. Os banhos de sol começaram a tornar-se moda, benéficos tanto para a saúde do corpo quanto da alma e os herdeiros do impressionismo e da pintura plein air continuaram buscando a luz e a cor vibrante das ondas e a alegria de um mundo que eles viram como a recuperação de Arcádia. Se até então a costa francesa tinha sido um mero ponto de passagem para os viajantes do grand tour que iam para a Itália, o trem Paris-Lyon, que chegou a Marselha em 1856, a Nice em 1864 e até Ventimiglia em 1878, facilitou as viagens para o sul, acolhendo escritores e pintores.

Essa paisagem redescoberta de agora em diante estará intimamente ligada ao conceito de modernidade. Na década de 1880, seguindo os passos do pintor de Marselha Adolphe Monticelli, Vincent Van Gogh mudou-se para Arles. Alugou ali uma casa com a intenção de transformá-la no «ateliê do sul» e encorajou seus amigos Émile Bernard e Paul Gauguin a se juntarem a ele. Durante esse período, Van Gogh se tornou um mestre das cores, através das quais traduzia suas emoções.

O classicismo mediterrâneo está presente nas obras pontilistas de Signac, que descobriu em 1892 o pequeno porto de Saint-Tropez, onde se relaciona com os seus amigos Henri-Edmond Cross, Théo Van Rysselberghe e Louis Valtat; de Cézanne, que retorna a Aix-en-Provence para tornar A montanha de Sainte-Victoire um mito; na visão hedonista da costa mediterrânea de Monet; nas banhistas que Renoir pinta em Les Collettes, em Cagnes-Sur-Mer, onde passou os últimos anos de sua vida; nas cores de Matisse; nas obras que Friesz faz em L’Estaque juntamente com Derain, Dufy e Braque. Essa presença do classicismo mediterrâneo também é encontrada na influência que os artistas anteriores exercem sobre os pintores que são um pouco diferentes, Camoin, principalmente, mas também Manguin e Marquet; ou na paisagem de Bonnard, que clareou sua paleta para poder reinterpretar as paisagens de Le Cannet. Um classicismo que fala de tradição e primitivismo, mas também fala de modernidade, porque caminha até ela, aqui nasce.

A culminação do Mediterrâneo: Matisse e Picasso

No verão de 1904, Matisse mudouse para Saint Tropez com seu amigo Signac. A visão da paisagem e os motivos que descobre são transformados em aquarelas e desenhos que anunciam o caminho ao qual se dirige. É então que ele faz os esboços de Luxo, Calma e Volúpia, onde vemos a influência do divisionismo de Seurat, que também pode ser observada em Jeune fille à l’ombrelle. A partir de 1907 o fauvismo começa a atenuarse e, influenciado pela pintura de Cézanne, que queria fazer «uma pintura como a dos museus», a figura feminina ocupa grande parte de seu trabalho.

Depois de uma série de viagens a Briska, Sevilha, Granada e Tânger, que encheram suas pinturas de arabescos e odaliscas, Matisse viaja para Nice em 1917, onde permanecerá praticamente o resto de sua vida. As figuras monumentais dos anos anteriores são, pouco a pouco, substituídas por um tipo de pintura mais íntima e cotidiana, caracterizada por cores e linhas. Mas é, sem dúvidas, a relação entre a luz e a cor pura e plana, em conjunto com a linha do desenho, que ocupa o seu trabalho.

Para Pablo Picasso, tanto as tradições mediterrâneas quanto a luz e a vegetação do local são estímulos essenciais na hora de criar. Suas primeiras viagens à Costa Azul datam das décadas de 1920 e 1930; onde encontrará o classicismo que, em união com o primitivismo, permeia todo o seu trabalho.

Cada férias de verão na Costa Azul significava uma mudança de cenário para Picasso e, portanto, uma mudança nos motivos trabalhados. Seduzido pelo isolamento e pelas vistas da baía de Cannes, em 1955, Picasso compra La Californie. Um grande ateliê-casa onde reúne todos os motivos que lhe interessaram até agora: a representação do ateliê, o pintor e o modelo e a figura feminina. Durante este período, ele também trabalha em diferentes «paisagens interiores», como ele mesmo as chama: os motivos que observa de sua janela – Pombos – ou variações do interior de La Californie a partir dos diferentes tons de luz que entra pelas janelas. A intensidade luminosa, o poder cromático de suas obras pintadas no ateliê de La Californie condensa e exalta sua herança mediterrânea.

Itália: lugares da alma

Em novembro de 1918 nasceu em Roma a revista Valori Plastici, sob a direção de Mario Broglio e com a colaboração de Carlo Carrà, Giorgio de Chirico e Alberto Savinio. Esta publicação, embora não tenha uma linha programática, parece questionar o papel do artista no mundo contemporâneo, bem como o desenvolvimento de novas linguagens que se encontram em uma dialética contínua entre a recuperação do passado e, portanto, o retorno do realismo, e o desejo de inscrever este discurso no próprio seio da modernidade.

Na pintura de Giorgio de Chirico estão presentes referências ao passado: Piero della Francesca, Paolo Uccello, Rafael, Ticiano, Ingres e Courbet. Podemos também contemplar essa ideia de tempo detido, que está relacionado ao seu período metafísico, e com a necessidade de retornar aos mitos, a um lugar que parece estar além do classicismo: nós o vemos em duas estátuas sem rosto intituladas As Musas, assim como nos cavalos representados na beira-mar, cercados por fragmentos de ruínas gregas.

Também os barcos de Carrà ou as cenas de Campigli continuam por esse caminho em que o tempo parece ter parado. Cenas que poderiam ser familiares deixam de sê-lo e aparecem sob o aspecto do estranho e do perturbador; imbuídas de melancolia, as pinturas desses artistas italianos parecem falar de perda, uma perda difícil de definir, descrever ou representar. Imagens da alma que nos lembram que o passado, o classicismo, a felicidade da Arcádia mediterrânea, nunca mais será a mesma.

Valência e a alegria do cotidiano

A pintura espanhola moderna encontra em Valência uma de suas referências desde meados do século XIX. Já no século anterior, o grand tour, com sua passagem pela Itália e a releitura dos clássicos, começou a despertar o interesse pelas marinas e as vedute. Na segunda metade do século XIX foram muitos os artistas valencianos que se interessaram por esse gênero e souberam abordar fielmente a descrição do Mediterrâneo, enfatizando sua condição de paisagem, bem como sublinhando sua qualidade de cenário vital.

Como bom pintor moderno, Ignacio Pinazo é um dos primeiros a se interessar pelos aspectos da vida mediterrânea. Quase sempre sobre tábuas pequenas, sua pincelada é solta e rápida, o que denota seu amor pelo desenho e aquarela. Em obras como Anochecer en la escollera III, os efeitos luminosos e atmosféricos predominam sobre a anedota e a narração, antecipando-se, assim, a toda uma geração de pintores que utilizarão esses elementos para expressar sensações, como é o caso de Joaquín Sorolla.

Já gozando de grande reconhecimento internacional no final do século XIX, Sorolla fará do mar o eixo de toda a sua obra, interessando-se pela vida e pelo trabalho dos pescadores, os passeios e os banhos dos veranistas. As cenas de praia presentes na exposição, como ¡Al agua!, Rocas de Jávea y el bote blanco ou Clotilde y Elena en las rocas, com sua captura de profundidade e a transparência da água, com sua exibição de faixas de cores, celebram esse cenário de brincadeiras infantis e os banhos das mulheres. Um mar cheio de luz e alegria, um habitat natural que pode ser identificado com a descrição da idade de ouro no Mediterrâneo.

Um mundo próprio: Palma de Maiorca em Mir e Anglada Camarasa

Joaquim Mir foi um dos pintores paisagistas mais notáveis do período fin de siècle. Ao chegar a Maiorca – pela primeira vez, em 1899 e, em diversas ocasiões, entre 1901 e 1903 –, a pintura de Mir mudou radicalmente, afastandose das composições de caráter social que lhe haviam dado fama. Na ilha balear, o pintor se sentiu fascinado pelas áreas rochosas e íngremes da costa, pelas grutas que as atravessavam e por sua estranha luz, que sugeria um aspecto fantasmagórico e irreal. Neste período, Mir também decorou murais para a casa do industrial têxtil Avel·lí Trinxet. Presente nesta exposição, um dos mais famosos, que mostra o jardim, é harmonioso tanto na composição quanto na cor da pincelada.

Por sua parte, Anglada Camarasa mudou-se para Port de Pollença em 1914 e começou a pintar paisagens de Maiorca que se aproximam da sensação de pureza que caracteriza as da Mir. O contato com a paisagem da ilha significou uma mudança radical nos temas de sua pintura. Famoso por ser um dos maiores impulsores da modernidade na Espanha, Anglada fez uma pintura em que a mancha e a cor predominavam sobre a linha, destacando a representação das mulheres em cenas da Paris noturna e, mais tarde, de figuras tipicamente espanholas.

As paisagens e as cenas marítimas que realiza em Maiorca são, no entanto, de um tom muito diferente, ainda que a violência da cor que utiliza seja mais presente. Uma cor que o leva uma e outra vez aos limites de sua pintura, como vemos em Gruta en el fondo del mar e Fondo del mar, obras que caminham claramente em direção à abstração.

O novecentismo e a formação da identidade catalã

Na viagem pela redescoberta do Mediterrâneo que propomos, a Catalunha mantém, devido à sua localização, um lugar privilegiado. Desde 1900, e a partir do simbolismo, ainda em vigor, um novo olhar para o Mediterrâneo dará forma ao primeiro movimento genuinamente catalão do século XX, o novecentismo. A renovação do ambiente artístico de Barcelona será um dos leitmotiv nos escritos artísticos de Eugenio d’Ors, em um desejo de recuperar a visão moral da arte para regenerar a sociedade. Rapidamente, o clássico d’Orsiano foi comparado ao Mediterrâneo, enquanto a Catalunha se ergueu como um emblema da tradição cultural mediterrânea. Joaquim Sunyer e Joaquín Torres-García são, nesse sentido, os artistas que melhor souberam traduzir as ideias d’orsianas, baseadas no abandono do decadentismo em prol de uma recuperação do espírito do Renascimento e do classicismo, tornando a beleza o objeto de arte. Neste sentido, o novecentismo de D’Ors tornou-se uma questão ligada à identidade como ponto de partida.

Após um breve período modernista, Joaquín Torres-García, herdeiro do simbolismo de Puvis de Chavannes, chega à Catalunha e apresenta uma pintura serena e clássica, povoada por figuras idealizadas. Criou sua Escola de Decoración em Tarrasa, por onde passaram estudantes destacados como Josep Obiols, Rafael Benet e Josep de Togores.

Por sua parte, Joaquim Sunyer voltou de Paris em 1908. Instalado em Sitges, ele gradualmente abandonou a influência de Steinlen e consagrou-se, assim como Torres- Garcia, no mediterrâneo. Pouco depois pintou a Mediterránea e Pastoral, que, herdeiras de Matisse e Cézanne, seriam um marco em sua carreira.

Em 1905, Aristide Maillol exibiu uma versão em gesso de sua escultura Mediterráneo no Salão parisiense, cujo caráter classicista pode ser visto tanto na fisionomia facial da figura feminina sentada quanto no tratamento de seu volume e massa escultórica. A permanência de Togores em Banyuls junto com Maillol em 1921 supôs a evolução do trabalho do pintor catalão até sua plenitude; paisagens e ressonantes nus femininos emergiram de seu pincel sob a influência do famoso escultor.

A presença da figura feminina, constante nos pintores catalães, faz parte de uma tradição classicista à qual pertencem também escultores como Enric Casanovas, Josep Clarà e Manolo Hugué, embora o caso deste último apresente diferenças notáveis. Hugué, incluído no novecentismo por D’Ors, não mostra, no entanto, interesse por essa Catalunha idealizada de Torres-García; sua interpretação pessoal do classicismo, com atenção a uma Catalunha mais real e rural, e com a predominância de formas arredondadas, denota seu gosto pelas culturas egípcia e mesopotâmica. Uma imbricação entre o classicismo e o primitivismo que também interessa a Julio González, em cujas mãos a figura feminina já se tornará vanguardista nos anos trinta e quarenta.

 

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