KBr Flama

A KBr Flama nasceu com o firme propósito de dar visibilidade aos mais jovens talentos formados nas escolas de fotografia de Barcelona. Para atingir este objetivo, o centro de fotografia KBr Fundación MAPFRE conta com a cumplicidade essencial de Grisart, Idep Barcelona, IEFC e Elisava, Faculdade de Design e Engenharia de Barcelona, quatro entidades acadêmicas comprometidas com o ensino e o estudo da fotografia.

TEXTO: ÁREA DA CULTURA DE FUNDACIÓN MAPFRE

A exposição KBr Flama’22 é a segunda edição deste projeto e apresenta as obras de Nanouch Congost (Girona, 1999), Guillermo Fernández (Granada, 1991), Jordi Miquel Riera (Girona, 1977) e Sílvia Parés (Vic, 1997). Seus projetos foram selecionados através de um minucioso processo de avaliação, no qual participou o júri formado por Horacio Fernández, Carles Guerra, Joana Hurtado e Arianna Rinaldo.

«papa»
Nanouch Congost

«“Papa” é um projeto que surge da busca interior da minha própria identidade. Um belo dia estou observando o meu entorno quando me dou conta da influência que meu relacionamento com meu pai teve no desenvolvimento da minha personalidade. A partir da aceitação desse fato, começo a analisar qual é a realidade dessa relação e o que significa ter, em geral, uma influência tão direta quanto a de um pai em nosso comportamento, mesmo no caso de um pai ausente.

A necessidade de saber que tipo de comportamentos se dão nessa relação me leva a descobrir um processo que se repete em todas as relações pai-filho ao meu redor, ou seja, identifico um padrão que me leva a conhecer mais sobre cada história e tentar descobrir por que a maioria das relações, apesar das diferentes personalidades e circunstâncias envolvidas em cada uma, sempre segue esse padrão, e principalmente em ordem cronológica. Pode-se dizer que toda relação pai-filho passa por várias fases, que podem ser resumidas em três: idealização, decepção, aceitação. Percebi que, muitas vezes, o que não gostamos ou mesmo o que consideramos ser “o problema” que temos com nossos pais são aspectos que incorporamos à nossa personalidade. Somos o reflexo do que vemos nos outros?

O projeto consiste em uma série de entrevistas nas quais pedi a cada um dos participantes exatamente a mesma coisa: que mostrassem uma fotografia antiga de seu pai e que fizessem uma descrição totalmente livre de quem ele era. Ao final, eu tirava uma foto do entrevistado. Durante a pose, eu os convidava a fechar os olhos e pensar em uma série de momentos específicos da infância e de hoje com seu pai; depois perguntava-lhes como se sentiriam se lhes dissessem que estão presos aos seus pais e, assim que abriam os olhos, eu os fotografava».

Nanouch Congost
Girona, 1999

É formado inicialmente na Escola d’Art i Superior de Disseny d’Olot (Girona). Durante o confinamento devido à COVID-19, apresentou um projeto na escola Grisart em Barcelona, pelo qual recebeu uma bolsa para estudar Fotografia no referido centro. Seu interesse por essa disciplina o leva a buscar constantemente oportunidades para ampliar seus conhecimentos. Depois de se formar, criou, juntamente com dois colegas especializados em outras áreas, um estúdio criativo online, o Oceania Creative Studio, com o qual trabalha para diversas marcas. Participou duas vezes do festival Mot em Girona, Olot e Igualada com projetos colaborativos, e expôs a série «Papa» no festival FineArt Igualada.

Los santos inocentes
Guillermo Fernández

«Granada, a cidade da Alhambra, é uma das mais visitadas da Europa, e também uma das mais atingidas pelos efeitos da crise econômica que eclodiu em 2008. Uma crise que atingiu toda uma série de jovens que passaram a ser para a história «a geração perdida», forçada a ganhar a vida nas costas do sistema.

O fim de uma era, a do esplendor econômico anterior ao estouro da bolha imobiliária, marcou o início de outra, a da ascensão de Granada, que voltou a ser um «reino»: o reino da maconha, um novo fenômeno que na verdade não é tão novo assim. Na verdade, é composto pelos mesmos ingredientes daquele retratado por Miguel Delibes em Los santos inocentes: um setor oprimido, água, terra e luz. A luz no fim do túnel. Ou o túnel no final da luz.

Com este projeto busco as semelhanças entre o passado e o presente, entre aquela época esquecida e a atual, entre o sistema imposto por aqueles caciques que educavam seus trabalhadores na aceitação de normas e este, que se autoimpõe a milhares de jovens a aceitação de que não há futuro para eles.
O projeto explora a passagem da noite para o dia em uma área rural carente perto de Granada. Começa com uma série de paisagens noturnas de olivais, caminhos rurais e cortiços típicos iluminados por uma luz artificial que nos indica o caminho a seguir e serve de ligação entre os diferentes cenários propostos. A trama culmina com o amanhecer, quando a luz natural substitui a luz artificial e «ilumina» a realidade escondida por trás da noite.»

Guillermo Fernández
Granada, 1991

Graduou-se em Belas Artes pela Universidade de Granada e obteve um mestrado em Fotografia e Design pela Elisava, Faculdade de Design e Engenharia de Barcelona. Seu interesse pela fotografia foi despertado depois de descobrir a obra de artistas americanos como Martha Cooper e Henry Chalfant. Durante seus estudos na Universidade de Granada, desenvolveu seus primeiros projetos artísticos. Sua obra, com forte carga social, gira em torno da natureza das pessoas e de seu contexto. Atualmente, combina a paixão pela fotografia, que usa como principal forma de contar histórias, com a direção de arte.

Modus imaginis
Jordi Miquel Riera

«Modus imaginis —tom da imagem, em latim— é um projeto fotográfico que nasceu da reflexão sobre os processos de criação artística no campo da fotografia. Especificamente, o projeto surgiu da vontade de explorar os limites da expressão fotográfica e suas possibilidades de estimular os sentidos. Ao longo da história da arte, vários criadores desenvolveram suas obras a partir do vínculo estabelecido entre a expressão artística e as sensações físicas. O texto a seguir, do escritor Josep Palau i Fabre sobre Picasso, fala sobre as fronteiras entre os sentidos e a criação artística:

“Picasso nos fez cúmplices desde o primeiro momento. Porque a preponderância de um sentido sobre os demais é um fato plenamente admitido, mas que deveria nos surpreender. Vivemos com os cinco sentidos e com a inteligência. A primeira vez que um homem ousou traçar uma imagem sobre um muro, a reação dos outros deve ter sido assim, mas não fala, não emite nenhum som, não tem cheiro próprio… é essa falta inicial que exige cumplicidade do espectador. A consciência de que, no ato criativo, parte-se dessa base é o que faz de Picasso um verdadeiro criador, porque desperta e põe em questão o próprio problema da criação. No entanto, assumir que um desenho é um desenho, uma pintura uma pintura, como se fossem somente formas de se expressar —como se não fossem eles próprios uma transposição— é o que pode nos levar imediatamente à rotina”.

Assim, não há dúvida de que, para chegar ao fundo de uma criação artística, todos os sentidos desempenham um papel importante. Partindo desse quadro conceitual, Modus imaginis relaciona os dois sentidos que mais têm em comum: visão e audição, pois ambos são capacidades sensoriais que se transmitem por meio de ondas, luminosas no primeiro caso e sonoras no segundo. Assim, o projeto explora as possibilidades da fotografia para capturar momentos, não apenas visuais, mas também sonoros. Trata-se, portanto, de criar uma espécie de sinestesia em que a visão e a audição se juntam, alterando a percepção de um setor sensorial ao acompanhá-lo com as percepções de outro setor sensorial.

A representação visual e fotográfica da sonoridade acarreta uma dificuldade óbvia: representar algo que, propriamente dito, não pode ser visualizado. Por isso, Modus imaginis parte de uma exploração dos sons através da fotografia, como se esta fosse um meio para captá-los com maior profundidade. Nesse sentido, também visa transmitir as sensações provocadas no momento de captá-las ou vivenciá-las. Por isso, foi dada especial atenção aos sons primigênios, como o da água ou do vento, por exemplo, presentes no meio natural desde o início dos tempos.

Por outro lado, Modus imaginis também desenvolve o processo inverso: transmitir um som a partir apenas da imagem. Este procedimento é útil para indagar os limites da criação fotográfica. Assim, as fotografias incluídas nesta série visam representar ou despertar um som no imaginário auditivo do espectador. Desta forma, a composição da série fotográfica deve ser interpretada, graças à sugestão auditiva, como se fosse uma pauta visual, ou seja, como uma composição musical. Esta exploração parte de uma análise do imaginário visual e sonoro que as pessoas vão adquirindo e modificando graças à experiência e ao conhecimento prévio. Um imaginário que nos faz interpretar o que percebemos de uma certa maneira, e sempre subjetiva.

Por último, surgiu o interesse em investigar a dimensão física do som. As ondas sonoras têm uma energia, uma dimensão no espaço que, de certa forma, pode ser considerada a própria matéria de que são feitas. Por isso, nesta série procurou-se registrar e capturar de forma plástica e visual a transformação da sonoridade em matéria.

As fotografias de Modus imaginis partilham a mesma estética visual, em que a cor preta e a escuridão adquirem grande relevância. Esta tonalidade permite-nos vislumbrar o que está escondido e, ao mesmo tempo, permite-nos ver o que se quer mostrar. É uma estética que deixa espaço para suposições, uma qualidade essencial em um projeto que procura sugerir ao invés de determinar. O preto foi o tom, a nota através da qual o projeto foi refinado e desenvolvido. O título, Modus imaginis, adquire assim todo o seu significado: o tom da imagem».

Jordi Miquel Riera
Girona, 1977

Formou-se em Fotografia no Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC) em 2017, especializando-se em Positivação com procedimentos antigos, Paisagem e Ambiente, e Figura e Nu. Mas sua carreira como fotógrafo começou bem antes. Em 2010 participou de um workshop da Sony World Photography Awards, em Cannes. Nesse mesmo ano, seu projeto Pulso propio é selecionado para o Emergent-Lleida, Festival Internacional de Fotografia e Artes Visuais. Em 2012 apresentou 10^10^118 (10 elevado a 10 elevado a 118 metros) na série El Proyector da Fundación Foto Colectania de Barcelona. Em 2016 expôs La memoria del cuerpo no Centro de Pesquisa e Produção de Artes Visuais Hangar de Barcelona. Em 2017 foi finalista no V Premio Galicia de Fotografía Contemporánea. Em 2019, sua exposição individual Ser Tierra é realizada no Espai 22, Girona.

Owning the Weather
Sílvia Parés

«Em 2018, começo a navegar entre o claro-escuro definido pela conspiração das chamadas chemtrails (trilhas químicas liberadas pelos motores das aeronaves) e os fatos narrados pela história da engenharia climática. Começo uma busca online por documentos, fotos e vídeos provenientes de sites oficiais, mas também de fóruns que contêm informações completamente implausíveis. Paralelamente, e de um ponto de vista cético, visito e fotografo vários radares meteorológicos e instalações de controle aéreo na Catalunha. Posteriormente, seleciono e reorganizo o material obtido para decifrar e reimaginar o fenômeno da manipulação climática através de diversos formatos. Em uma linha do tempo, encadeio cronologicamente imagens do arquivo acompanhadas de uma peça audiovisual que ilustra a semeadura de nuvens, uma técnica de geoengenharia ainda usada em vários países do mundo. Esses fatos históricos são confrontados com o universo visual e conceitual que orbita nas teorias da conspiração, estabelecendo assim dois polos entre os quais se cria um espectro de versões alternativas. A partir deste espaço mental proponho uma obra de arte generativa que convida a projetar novos imaginários sobre o futuro do clima, longe da narrativa apocalíptica utilizada pela indústria audiovisual e pela mídia. O projeto combina imagem, texto e arte generativa para explorar o passado, pensar no presente e imaginar o futuro dos nossos céus.»

Sílvia Parés
Vic, 1997

Graduou-se em 2020 em Fotografia e Mídia Audiovisual no Idep Barcelona, onde também concluiu uma pós-graduação em Ilustração Aplicada. Ligada ao longo destes anos ao mundo das artes visuais, utiliza a fotografia para falar de questões ambientais e geopolíticas. Interessa-se pela questão das mudanças climáticas e desenvolve projetos por meio dos quais busca cenários alternativos que permitam a diversificação e ampliação de imaginários coletivos sobre o futuro do planeta, imaginários atualmente confinados à literatura apocalíptica. Em 2019 colabora como fotógrafa na equipe do projeto Chronicle of the birth, growth and death of a cloud [Crônica do nascimento, crescimento e morte de uma nuvem] do artista Pep Vidal.