Carlos Pérez Siquier: fechar em preto e branco, abrir em cores

De 14 de fevereiro de 2020 a 17 de maio a exposição dedicada ao trabalho de Carlos Pérez Siquier (1930) poderá ser visitada em Barcelona, na Casa Garriga Nogués. Esta exposição nos permite nos aproximarmos de um criador que é uma peça fundamental na modernidade fotográfica e na profissionalização dessa arte na Espanha.

TEXTO: CARLOS MARTÍN Y CARLOS GOLLONET

O fotógrafo de Almería trabalha, em um primeiro momento, a partir de postulados próximos ao neorrealismo e, posteriormente, mostra-se pioneiro na fotografia colorida. Nas duas vertentes, Pérez Siquier atua desde uma posição fronteiriça privilegiada, periférica e com um olhar único, plenamente consciente de sua autoria, apesar de ter se afastado de uma concepção intuitiva da fotografia, mais semelhante à de um caminhante do que de um retratista. 

Nascido na cidade de Almería, onde residiu ao longo de sua vida, Pérez Siquier mantém desde o início de sua carreira, na década de 1950, sua condição de artista que mora em um dos cantos da Espanha, o que não o impediu de propor rupturas violentas contra seu tempo e, ao mesmo tempo, estabelecendo-se como um catalisador para o grupo fotográfico mais influente de sua época, o grupo Afal, reunido em torno da revista homônima, que existiu entre 1956 e 1963. Sem se mudar para nenhum dos principais centros de produção do país (Madrid ou Barcelona), Pérez Siquier se tornou uma figura fundamental na fotografia espanhola, estando em contato direto com seus colegas Joan Colom, Xavier Miserachs e Ricard Terré. Tudo isso desde Almería, uma província sobrecarregada por um atraso secular, com uma história e um território em grande parte alheios ao resto da costa do Mediterrâneo e de suas províncias vizinhas, representante do excepcionalismo espanhol e da complexa história de abandono do sul da Europa durante décadas.

Pérez Siquier criou, ao longo de seis décadas de trabalho, um corpus fotográfico que entra de maneira tangencial, profunda e contundente nos debates de seu tempo

A partir desse espaço limítrofe e distante, Pérez Siquier criou, ao longo de seis décadas de trabalho, um corpus fotográfico que entra de maneira tangencial, profunda e contundente nos debates de seu tempo. Em suas séries fotográficas mostra-se a periferia social, as alterações visuais decorrentes do desenvolvimentismo franquista, o choque cultural produzido pela chegada massiva do turismo estrangeiro à Espanha e a penetração de uma nova cultura visual, colorida e sensual, condensada por trás do slogan Spain is Different, que veio a substituir superficialmente os traumas do pós-guerra nas costas do país. Nesse sentido, nessa passagem do elemento da crítica social para a celebração entre o cético e o curioso de uma sociedade de consumo, há um reflexo de uma genuína mudança de paradigma na sociedade europeia do pós-guerra: é sem dúvida esse interesse que conecta seu trabalho com as propostas da arte pop mais crítica, com o cinema autoral dos anos sessenta ou com a literatura de sua geração. Deste modo, esta exposição é apresentada como uma ampla retrospectiva que abrange suas séries mais notórias, realizadas entre 1957 e 2018, com uma importante contribuição de imagens inéditas e contribuições documentais que enriquecem seu discurso. Esperamos que a exposição demonstre o reconhecimento internacional de uma figura que foi merecedora do Prêmio Nacional de Fotografia em 2003.

Olhar o mundo desde um canto: La Chanca e La Chanca en color (1957 – 1965)

As fotografias que formam a reportagem La Chanca representam o paradigma de toda uma época, na qual o humanismo fotográfico se entrelaça com os interesses da novela social ou da crônica de viagens que a melhor literatura espanhola da época estava desenvolvendo, de Sánchez Ferlosio a Camilo José Cela ou, principalmente, neste caso, Juan Goytisolo. Assim como o texto La Chanca,de Goytisolo, posterior ao trabalho de Pérez Siquier e censurado na Espanha até 1981, a série adentra no estudo desse bairro de Almería, povoado por um subproletariado urbano que habita uma arquitetura peculiar. Por um lado, Pérez Siquier tenta descrever e, por outro, dignificar um modelo de vida e sociabilidade urbana secular, anterior ao grande êxodo rural que encherá as grandes capitais espanholas de bairros da classe trabalhadora. Um estudo de caso ultralocal que, no entanto, universaliza seu significado de maneira imediata, em contato direto com as poéticas renovadoras da fotografia e do cinema neorrealista italiano, onde as massas urbanas e os “atores naturais” protagonizam uma poética que busca uma nova verdade, uma autenticidade humana através do gesto espontâneo, do olhar comunicativo, do corpo em seu contexto.

La Chanca, Almería, 1958
Copia posterior, plata en gelatina
© Carlos Pérez Siquier
La Chanca, Almería, 1958. © Carlos Pérez Siquier

O próprio fotógrafo, já na década de 1960, afia seu discurso através de La Chanca em color, onde parece reverter o sentido neorrealista da reportagem em preto e branco, em busca de um olhar mais abstrato para a sensualidade cromática que o bairro e a coexistência humana com suas estruturas arquitetônicas peculiares requerem. Essa mudança de cores deriva de uma associação visual com o desenvolvimentismo e o otimismo construído que o regime de Franco tenta impor a partir dos anos sessenta. Mas também da tentativa de fugir de uma visão miserabilista do lugar, sem abrir mão de um certo tremendismo como o que se desenrola nas duas subseções dedicadas a funerais realizados no bairro. É o começo de um interesse pela cor que se desenvolve nos anos seguintes.

O corpo abstrato do Mediterrâneo: La playa (1972-1996)

Como fotógrafo contratado pelo Ministério da Informação e Turismo, Pérez Siquier realiza várias viagens pela costa espanhola para obter imagens que serão usadas para a promoção do turismo; algumas delas são exibidas na forma de pôsteres e folhetos que têm o sabor de uma época em que essa indústria decola sob a promessa de sol e praia. Juntamente com essas imagens que virão a ser utilizadas como tela para a abertura econômica do regime para vender uma Espanha colorida, Pérez Siquier fará várias cenas do aspecto mais carnal do novo turismo e da colonização de praias a partir de uma nova cultura visual e moral que incentiva a ironia sobre os paradoxos do país nas décadas de 1960 e 1970. Intuitivamente, entende que há um fermento mais criativo em algumas dessas imagens personalizadas e introduz-se, a partir da perspectiva controversa do voyeur, em um novo mundo moderno no qual a erótica do corpo assume novos significados: enquanto o biquíni celebra a juventude e a feminilidade à maneira do classicismo, também entram em cena corpos não normativos que reivindicam, a partir da nova cultura do consumo, sua posição através das novas formas de lazer, cada vez mais democratizadas. Assim, até beirar o grotesco, o contraditório e a conversão do corpo em mero exercício plástico. Dir-se-ia que essas imagens incluem as contradições de um país do qual se emigra, mas que ao mesmo tempo recebe turistas que supõem uma entrada de divisas; Pérez Siquier faz suas essas palavras de Juan Goytisolo em Campos de Níjar (1960): O universo razoável dos jornais me acalmava e adormecia. As fotos da Rainha da Feira em Burgos e a garota escultural, usando maiôs da Jantzen, me lembravam oportunamente que a angústia é um mau passageiro, que existe uma ordem secreta que rege as coisas e que o mundo pertence e sempre pertencerá aos otimistas.

Marbella, 1974
Copia posterior, inyección de tinta
© Carlos Pérez Siquier
Marbella, 1974. © Carlos Pérez Siquier

Em seu todo, La playa exala senso de humor, um conteúdo surreal, uma celebração do volume corporal e a vida que destila e uma visão fina de uma cotidianidade distinta, baseada no relaxamento das normas morais impostas sobre os banhistas. Esse ponto de vista liga a obra de Pérez Siquier ao pop de artistas plásticos como Tom Wesselmann, John Kacere e Joan Rabascall. E, de maneira surpreendente e pouco noticiada até agora, precede em vários anos o trabalho fotográfico em cores de Martin Parr, como o próprio fotógrafo britânico reconheceu. Na época, poucos se atreviam com a fotografia colorida, poucos conseguiam encontrar sua própria voz nesse novo meio que parecia levar toda a poesia e tradição do preto e branco. Isso faz de Pérez Siquier um verdadeiro pioneiro em todo o mundo.

Humor e perplexidade: Trampas para incautos e Color del sur (1980-2012)

O interesse pelas superfícies que já aparece em La Chanca em color se desenvolve plenamente nesta série, onde Pérez Siquier parece viajar por um mundo cada vez mais superficial, povoado por representações alternativas da realidade, cenários de aparente papelão onde a vida cotidiana é congelada nas vitrines, manequins, figuras, tendas ilustradas e programas de publicidade. Como se estivessem imersas em um universo paralelo, essas cenas produzem um efeito peculiar de estranhamento ao interromper no tempo o fluxo desses objetos e representações que, devido à sua onipresença e banalidade, passam despercebidos aos olhares no decorrer temporal usual. O uso de uma cor saturada, por outro lado, afeta os contrastes entre a figura e o fundo, que os coloca em um ambiente irreal, despovoado, alheio e até hostil como uma cidade turística fora da temporada: nesse sentido, ele vincula seu trabalho aos interesses do aparecimento do kitsch na cultura contemporânea e no hiper-realismo americano, interessado nesse período pelas superfícies polidas da modernidade tardia e pelos paradoxos do mundo consumista. No âmbito estritamente fotográfico, é a série em que Pérez Siquier mais se aproxima das propostas desenvolvidas na década de 1970 por Luigi Ghirri ou William Eggleston; e, por outro lado, traz profundidade de conteúdo e estudo composicional que, em outros artistas das cores, como Stephen Shore, era mero gosto instantâneo e superficial. Aprecia-se a recorrência a superfícies cada vez mais despojadas, o silenciamento de suas imagens, tendendo a peças monocromáticas, a uma certa contemplação como a que banha seu trabalho mais recente.

O silêncio tardio: La Briseña (2018)

Como contraponto e referência final ao trabalho recente de um fotógrafo que ainda está ativo aos quase noventa anos de idade, a exposição termina com a série La Briseña, que sugere uma retrospectiva interior em seus anos de maturidade total, um gesto muito comum em fotógrafos que entram na etapa final de sua vida. Da mesma forma que os exteriores coloridos da arquitetura vernácula protagonizavam La Chanca en color seis décadas atrás, agora o protagonista é o interior de sua residência de verão localizada no deserto de Almería, a pequena casa de fazenda que dá nome a série e que leva o nome dos ventos que atravessam essa paisagem. Alguns ventos que, nas palavras de Aldous Huxley em seu Soneto para Almería, não têm emblemas para agitar. A materialidade das paredes caiadas e a presença de objetos aparentemente insignificantes indicam um processo introspectivo, uma reivindicação da identidade material do território que lhe é mais querido e um sopro poético que traz uma nova luz ao seu trabalho e parece reunir todos os seus interesses anteriores em um espaço limitado e carregado com um olhar íntimo, com uma luz quente.